30 / 06 / 2020 | Noticias culturales    

13 / 03 / 2020 | Noticias culturales    
 Cine Arte Auditorium / marzo 2020
AFILIADOS ADUM: $130.- (presentando el recibo de sueldo en la boletería)
 
Domingo 8 de marzo, 16.30 y 18.30 hs. Estreno exclusivo:
LOS AMORES DE CHARLOTTE
​(Charlotte a du fun, Canada 2019). Dirección: Sophie Lorain. Guión: Catherine Léger. Fotografía: Alexis Durand-Brault, Edición: Louis Philippe Ratte. Música: Sari Dajani, Pierre-Luc Rioux, Dazmo, Rudy Tousaint, Marc-André Sauvageau. Elenco: Marguerite Bouchard, Romane Denis, Rose Adam.  Duración; 89 minutos Calificación: apta mayores 13 años.

   Charlotte atraviesa su adolescencia con todo el drama de sus 17 años: la ruptura con un chico que descubre que es gay, los paseos por la plaza con sus amigas, el alboroto y las carcajadas en un sex-shop, y la inolvidable voz de Maria Callas, que resulta ser la única que de verdad la comprende. Entre la angustia y la desorientación, Charlotte se presenta junto a sus amigas para un empleo temporal en una inmensa juguetería, que le ofrece la mejor oportunidad para conocer chicos y permitirse toda la libertad sexual que el despecho y las hormonas le despierten.

   Desde la ciudad de Quebec y filmada en blanco y negro, la historia escrita por Catherine Léger y dirigida por Sophie Lorain redescubre los tópicos del coming of age desde una mirada desprovista de prejuicios sobre la sexualidad femenina y dispuesta a subirse al juego de seducción que conlleva todo tiempo de desilusiones amorosas y despertares políticos. Es cierto que nunca se corre demasiado de la fórmula, que algunos contrapuntos de carácter entre los personajes (Mégane es la amiga cínica; Aube, la romántica) funcionan como requisito del retrato, pero la película consigue vitalidad y frescura en las actuaciones, un uso inteligente de la mirada a cámara al pasar, casi como lazo de complicidad con el espectador, y la confirmación de que no hay como la guía de la Callas para alcanzar la dignidad cuando se sufre por amor. Paula Alvárez Prieto / La Nación / 19 diciembre  2019.

Domingo 15 marzo, 16.30 y 18.30 hs. Estreno exclusivo:
LA GOMERA (The wishtlers, Rumania-Francia 2019). Dirección y guión: Corneliu Porumboiu. Fotografía: Tudor Mircea. Montaje: Roxana Szel,  Elenco:  

Vlad Ivanov, Catrinel Marlon, Rodica Lazar, Antonio Buil, Agustí Villarong, Sabin Tambrea. Duración: 97 minutos. Calficación: apta mayores 13 años.

   El director rumano Corneliu Porumboiu -creador de notables largometrajes de ficción, como Bucarest 12:08Policía, adjetivoCae la noche en Bucarest, y El tesoro, además de documentales como El segundo juego e Infinite Football– cambia por completo de rumbo y de registro con un atrapante e ingenioso thriller rodado en parte en su país, pero que tiene también varias secuencias filmadas en La Gomera del título original, una de las más pequeñas islas de las Canarias españolas.

   Tráfico de drogas, un tentador botín de 30 millones de euros, traiciones cruzadas entre gánsteres y policías, una bellísima femme fatale siempre en el medio, un lenguaje impensado (conformado íntegramente por los silbidos a los que alude el título internacional en inglés, The Whistlers) para comunicarse a la distancia sin ser descubiertos, obsesión por las cámaras de vigilancia y múltiples referencias cinéfilas tanto al film noir francés (el protagonista Cristi, un agente corrupto devenido parte de la mafia que interpreta Vlad Ivanov, remite al Lino Ventura en las películas de Jean-Pierre Melville) como a los westerns de John Ford (con imágenes de Más corazón que odio incluidas), pasando, nada menos, por la célebre escena de la ducha de Psicosis, de Alfred Hitchcock, son solo algunas de las piezas de un complejo rompecabezas que solo puede armarse llegando hasta un singular final rodado en Singapur.

   Porumboiu recicla, pero luego subvierte y resignifica los elementos del cine de género (o de géneros), en un film rebosante de canciones (arranca con la voz de Iggy Pop interpretando «The Passenger» y luego hay temas a cargo de Jeanne Balibar, Ute Lemper, Lola Beltrán y música clásica de Richard Strauss), de virtuosismo en la estructura del guión y en su montaje (está narrado en episodios no cronológicos centrados cada uno en distintos personajes) y muy buenas ideas de puesta en escena.

   Algunos cinéfilos quedarán algo perplejos porque La Gomera, que tuvo su estreno mundial en el marco de la Competencia Oficial del último Festival de Cannes, nada tiene que ver con el austero e intimista cine rumano basado en conflictos familiares, pero si se acepta cambiar el chip e incursionar en un nuevo universo el resultado es tan fascinante como estimulante. Diego Batllet / La Nación / 26 diciembre 2019

Domingo 22 de marzo, 16.30 y 18.30 hs. Estreno exclusivo:
LA LIBRERIA DE LOS LIBROS OLVIDADOS
(Le mystere Henri Pick, Francia 2019). Dirección: Rémi Benzancon. Guión y diálogos: Rémi Bezancon y Vanessa Portal, basado en la novela homónima de David Foenkinos. Fotografía: Antoine Monod. Música: Laurent Perez del Mar. Edición: Valerie Desine. Elenco:  Fabrice Luchini, Camille Cottin, Alice Isaaz, Duración: 100 minutos. Calificación: apta mayores 13 años.
 
   Siempre es agradable que a uno le hagan sentir inteligente. Descubrir relatos que se refieren a temas alternativos, intelectuales y reflexivos (la lírica del poeta incomprendido, las obras del autor fracasado, la humanidad del famoso deshumanizado), pero sirviéndose de la estructura convencional. El metalenguaje es un recurso muy efectivo para este tipo de relato: servirse del propio trabajo para ejemplificar sobre el discurso. Si se hace con cierta gracia, los resultados pueden ser muy efectivos. La biblioteca de los libros rechazados (ni a propósito podría haberse encontrado una traducción más hortera) sigue los pasos de Jean-Michel, un escritor frustrado (es decir, un crítico literario) que se niega a aceptar la autenticidad de cierta historia relativa a otro supuesto escritor frustrado. Lo que él llama “la novela fuera de la novela”: el caso del cocinero inculto cuya personalidad escondía un poeta incomprendido y la obra del cual sólo pudo ser descubierta después de muerto… gracias a una biblioteca dedicada a libretos no editados. Un relato con el que todo el mundo se queda, mucho antes que con la propia obra del presunto escritor. Pues eso, la novela fuera de la novela.
   Toda la película gira en torno a la búsqueda de la verdad por parte de Jean-Michel. El crítico, decidido a desmentir el mito, se propone descubrir la auténtica historia que esconde tan exitosa obra (es decir, quien es su verdadero autor). Pero, irónicamente, no es consciente (o tal vez sí) de que al intentar destruir “la novela fuera de la novela” está construyendo la suya propia. Ahí está, de hecho, buena parte del atractivo de este título: todo él es en realidad la “novela fuera de la novela”. Y el metalenguaje no termina aquí. En cierto momento de la película, dicho personaje se encuentra, como parte de su investigación, con determinado círculo de lectores. Las personas que lo conforman le cuentan que en sus tertulias no tiene cabida ningún tipo de material que se aleje del género policíaco. Con este pequeño detalle, el director se da a sí mismo la licencia cómica que lleva utilizando desde el primer acto: la de construir todo su trabajo como si estuviéramos delante de una (parodia de) película de detectives. Es un gesto cargado de relativismo, autoconciencia y que da al producto un agradecido aire de modestia y simpatía.
   En realidad, toda la película viene impregnada de este aire. Desde su estructura narrativa, pasando por su planificación y montaje, hasta su tipo de humor (al que recurre con frecuencia). Es un producto, como entredije en el primer párrafo, interesado en analizar cuestiones intelectuales desde un prisma convencional. De ahí que su visualización resulte tan agradecida: es como si asistieramos al pase de un divertimento para inteligentes recién iniciados. De hecho, el ejercicio de Rémi Bezançon puede suponer un entretenido pasatiempo para el espectador atento: el director se dedica a reproducir todos y cada uno de los tópicos del cine policíaco de un modo tan exagerado (giros de guión incluidos) que casi parece desafiar al público a preverlos. Esta autoconciencia, este metalenguaje pasado por el filtro de la estructura dinámica, recuerda en cierto modo (salvando largas distancias) a otra película también protagonizada por Fabrice Luchini: En la casa. Aún reconociendo que el trabajo de Ozon pertenece a otra categoría (sin duda, contiene una reflexión mucho más madura y desgarradora), ambos trabajos comparten la capacidad de hacer entretenido lo complejo y de combinar con eficacia humor y reflexión. Martí Sala / Cine Maldito /  13 junio 2019.
 
Domingo 29 marzo, 16.30 y 18.30 hs. Estreno exclusivo:
DE REPENTE, EL PARAÍSO
 (It must be heaven, Francia-Catar 2019). Dirección: Elia Suleiman. Fotografía: Sofian El Fani. Edición: Veronique Lange. Elenco: Elia Suleiman, Vincent Maraval, Gael García Bernal, Nancy Grant. Duración: 97 minutos.  Calificación: apta para todo público 
 

   Israelí de origen palestino decidido a combatir los estereotipos que suelen castigar a su pueblo, inmigrante ilegal en Nueva York, amigo del prestigioso escritor y crítico de arte John Berger -a quien está dedicado este largo, muy celebrado en la última edición del Festival de Cannes-, Elia Suleiman es, no caben dudas, un personaje singular. Su cine (recordar la fantástica Intervención divina, de 2002) es anómalo, muy personal y está casi siempre teñido de un humor ingenuo en la superficie, pero corrosivo en la profundidad. «A mayor desesperación, mayor humor», declaró el director cuando le preguntaron sobre la lógica de este film inusual que comienza en Palestina y continúa en París y Nueva York. Su espíritu explorador y poético es muy similar al de El paseo, la magnífica pieza literaria del suizo Robert Walser dedicada a la observación del gran espectáculo del mundo, con su belleza y su absurdo.

   El protagonista del relato, un alter ego del cineasta excéntrico, melancólico y, sobre todo, entregado obstinadamente al silencio, busca financiación para un proyecto cinematográfico destinado a promover la paz en Medio Oriente. En el trayecto que recorre persiguiendo ese objetivo se encuentra con situaciones y lugares que aparecen en la película a la manera de atractivas viñetas, siempre cargadas de gracia, sugestión y belleza, tres cualidades que en cine son invalorables. Alejandro Lingenti / La Nación /  20 febrero 2019

foto: La gomera

foto: De repente, el paraíso

foto: La librería de los libros olvidados

foto: los amores de Charlotte

04 / 09 / 2019 | Noticias culturales    
Domingo 8, 16.00 y 18.30 hs. Estreno exclusivo:
POR  GRACIA DE DIOS (Grace a Dieu, Francia 2018). Dirección y guión: Francois Ozon. Fotografía: Manuel Dacosse.  Música: Evgueni    Galperine y Sacha Galperine.  Edición: Laure Gardette. Elenco: Melvil Poupaud, Denis Menochet, Eric Caravaca, Josiane Balasko, Bernard Verley.  Duración: 137 minutos.  Calificación: apta mayores 16 años. Premios: Festival de Berlín 2019: premio especial del jurado (Oso de Plata) a la mejor dirección y nominada al Oso de Oro a la mejor película; Las Palmas Film Festival 2019: premio mejor actor, compartido por Melvil Poupaud, Swann Arlaud y Denisw Menochet

           

   Ganadora del Gran Premio del Jurado en el Festival de Berlín, la nueva película de este prolífico realizador francés está basada en hechos reales que generaron un gran escándalo en Francia, reproducido muy pronto a escala internacional: la aparición en escena de la asociación de víctimas La Parole Libérée, fundada en Lyon en 2015 por víctimas de abusos perpetrados por el sacerdote Bernard Preynat, provocó una aguda discusión pública con las máximas autoridades de la Iglesia Católica, señaladas por silenciarlos.   Ozon abre el fuego con la denuncia que fue el puntapié inicial, llevada adelante por el padre de una familia numerosa, un profesional de vida burguesa que mantiene su rutina de católico practicante pero sin abandonar su objetivo de revisar ese pasado infausto. Y luego va encadenando otras historias similares mediante un virtuoso trabajo de puesta en escena apoyado en la combinación fluida de voz en off y una sofisticada narración visual, aunque la proliferación de casos produce cierta dispersión y, a medida que la historia avanza, el director empieza a subirle el volumen hasta el límite de la estridencia.  Hay un lineamiento moral que sobrevuela el film y que contradice abiertamente las prescripciones religiosas. Lo expresa la interlocutora de uno de los abusados, convencida de que perdonar en estos casos es quedar otra vez en manos del victimario. Alejanddro  Lingenti.  La Nación, 29 agosto 2019               

22 / 08 / 2019 | Noticias culturales    

Las/os invitamos a presenciar las funciones del largometraje ¨Yvonne¨en Miramar y en Mar del Plata. 

Todas las funciones serán presentadas por la directora del film, Marina Rubino.

¨Yvonne¨ es un retrato posible de Yvonne Pierron, la monja francesa que fue compañera de Alice Domon y Léonie Duquet, detenidas-desaparecidas en la dictadura argentina, y que salvó su vida exiliándose en su propio país.

El sábado 24 de Agosto a las 16hs, será en El Espacio para la Memoria y Promoción de los Derechos Humanos, Av. De los trabajadores 5700, Faro de Punta Mogotes, Mar del Plata.

El domingo 25 de agosto a las 16hs en La Casa de Williams, Scaglia 5839, Mar del Plata

El lunes 26 de Agosto a las 19hs será en la Asociación Mutual El Principito, Calle 38 Nro 330 de Miramar.

Finalmente el Martes 27 de Agosto a las 19.30  en el «Ciclo de Cine Argentino y Latinoamericano» organizado por la Universidad Nacional de Mar del Plata y Mar del Plata Cine ONG.  en Cine Teatro Teatriz, Diagonal Pueryrredón 3338. Mar del Plata.

Pedro Sanllorenti
Sec. General
a.d.u.m.
16 / 08 / 2019 | Noticias culturales    

Entrada para afiliados de a.d.u.m. $ 100.- con la presentación del recibo de sueldo en la boletería.

Domingo 18 agosto, 16.00 y 18.00 hs. estreno exclusivo:

RICORDI?  (Ricordi?, Italia, 2018). Dirección y guión: Valerio Mieli. Fotografía: Daria D’Antonio. Edición: Desideria Rayner. Elenco: Luca Marinelli, Linda Caridi, Giovanni Anzaldo, Eliana Bosi, Camila Diana.  Duración: 106 minutos. Calificación: apta mayores 16 años.

Habría que celebrar que llegue a la Argentina una película italiana, dado que es inusual el estreno de films que no provengan de Hollywood en nuestra cartelera. Se sabe que la tradición cinematográfica de Italia es riquísima, y Ricordi? está a la altura de las circunstancias.

Retomando un tópico muy transitado -el derrotero de una relación amorosa, desde la fascinación inicial hasta la angustiante ruptura-, Valerio Mieli consigue un resultado muy original. Pone a funcionar la cámara como un lápiz bien afilado que dibuja la exaltación, la tristeza y la inestabilidad de los personajes en un cuadro deslumbrante, caracterizado tanto por la belleza como por la abstracción. Incorpora referencias literarias y pictóricas, en diálogo con un relato que viaja con mucha fluidez en el tiempo, reflejando el mundo interior de los protagonistas más que alguna verdad probada, y prescindiendo de la voz en off, un recurso frecuente en las estructuras narrativas que revisitan el pasado. Suele ocurrir que aquello que muchos cineastas entienden por poético termina siendo cursi, solemne o preciosista. Ricordi? juega al límite en ese sentido y sale indemne. Se apoya en un formidable trabajo de fotografía, una edición muy imaginativa, la complicidad de un elenco reducido y muy sobrio, y una banda sonora exquisita que agrega matices sin subrayar.Alejandro Lingenti,  La nación,  jueves 4 julio 2019

Domingo 25 agosto, 16.00 y 18.00 hs. estreno exclusivo:

NOTTI MAGICHE (Notti Magiche, Italia, 2018). Dirección: Paolo Virzi. Guión: Francesco Piccolo, Francesca Archibugi y Paolo Virzi. Fotografía: Vladan Radovic, Edición: Sara Petracca y Jacopo Quadri. Música: Carlo Virzi. Elenco: Giancarlo Giannini, Ornella Mutti, Mauro Lamantia, Irene Vetere. Duración: 125 minutos. Calificación: apta mayores 13 años.

Con la serie de penales de la semifinal Argentina vs. Italia como marco temporal y fondo musical de “Un verano italiano” –el célebre tema del mundial de fútbol 1990, cuyo estribillo le presta el nombre a la película–, un automóvil de lujo sale disparado desde un puente romano y ameriza con escasa elegancia sobre las aguas del Tíber. Dada la decepcionante coyuntura futbolística, muy poca gente en la terraza del bar cercano le presta atención al extraño objeto volador. Así comienza Notti magiche, el más reciente largometraje del toscano Paolo Virzì, fecundo realizador de quien en la Argentina se ha conocido una buena parte de su filmografía, incluidas Loca alegría, Tutti i santi giorni y El capital humano. Fecundo y ecléctico: sus películas suelen alternar el humor y el drama humano y social, muchas veces en un mismo relato.

    Estas “noches mágicas” se enrolan conscientemente en la tradición de la commedia all’italiana, con sus dardos venenosos aplicados, en esta ocasión, a la industria del cine. O, mejor dicho, al ocaso definitivo de sus épocas doradas, en la prehistoria del reinado de Berlusconi. El descubrimiento del cadáver de Leandro Saponaro, otrora un poderoso productor – tanto del más reputado cine autoral como de decenas de exitosos poliziotteschi– provoca la detención de tres jóvenes aspirantes a guionistas. También a un largo flashback que describe los acontecimientos y detalles que llevaron a la muerte del produttore (un Giancarlo Giannini al borde de la histeria, con guiños al muy real Cecchi Gori padre), en esencia un macguffin narrativo, al menos hasta los tramos finales. Lo que más parece preocupar a Virzì y a sus dos coguionistas es construir una sátira de ambientes, personajes, usos y costumbres, en ocasiones atinada e hilarante, en otras no tanto.  Antonino, Luciano y Eugenia    –los ternados para un concurso nacional de guiones cinematográficos, cada uno de ellos con características y rasgos de carácter muy definidos– hacen las veces de ventanas hacia un extraño microcosmos de escritores, realizadores y productores veteranos que llevan la marca del cinismo en cada frase que le prodigan al mundo. “Buona notte, va’ a fanculo”, se despide el sceneggiatore interpretado con alta gracia por el gran Roberto Herlitzka, un tal Fulvio Zappellini, homenaje encubierto a Furio Scarpelli, legendario creador de guiones, desde las primeras películas de Totò a Il postino. Por cierto, las decenas de referencias directas e indirectas a los grandes nombres ocultos del cine italiano –aquellos que trabajaban sentados delante de la máquina de escribir– pueden pasar desapercibidos para una parte importante de la audiencia, aunque no así la inclusión entre sombras de un Marcelo Mastroianni (llorando desconsoladamente por el enésimo abandono de la Deneuve, esa “stronza”) o de un Federico Fellini rodando la última escena de su canto de cisne, La voz de la luna.

   El trío de jóvenes, algo ingenuos en cuanto a las prácticas reales del oficio, intenta insertarse profesionalmente con sus creaciones, pero lo que encuentranson grandes nombres venidos a menos, “autores” dispuestos a conceder toda clase de libertades y un estado general de desesperanza. Entre apunte y apunte, la trama avanza a velocidades nada desdeñables, saltando de una escena a otra, y si algo no le falta aNotti magiche es ritmo. Esa cualidad de sketches contenidos en sí mismos puede ser entendida como un demérito general, pero en ocasiones se transforma en virtud. Los mejores momentos del film se imponen como aguafuertes de un mundo en decadencia que insiste en hacer gala de los lauros pretéritos, falsos espejos de los oropeles presentes.Diego Brodersen, Página 12, jueves 16 junio 2019

10 / 05 / 2019 | Actividades ::Noticias culturales    
 
 
 

Videoteca Universitaria, Sala Rodante INCAA no Comercial

Secretaría de Comunicaciones y Relaciones Públicas y Secretaría de Extensión de la UNMdP

y CTA Mar del Plata

Presentan:

6° Edición del Ciclo Cine Documental Político Argentino y Latinoamericano 2019.

El mismo se desarrollará todos los lunes a las 18.30 hs, desde mayo a noviembre, en la Sala Melany del Complejo de Arte MDQ Roxy – Radio City – Melany , ubicada en San Luis 1750, con entrada libre y gratuita.

Como ocurre desde hace 6 años el programa reúne producciones argentinas y latinoamericanas vinculadas a problemáticas sociales actuales, desde una perspectiva política.

El Ciclo inicia el lunes 13 de mayo, con el estreno de «Dedo na ferida» (El dedo en la herida) una película de Silvio Tendler (Brasil-2017) .En tiempos sombríos, en los que el mundo se enfrenta a la pérdida progresiva de derechos sociales y al resurgimiento de movimientos de extrema derecha, este documental, se afirma como una película incomodamente actual. Con la precisión de una mirada tallada en más de 80 obras de cuño histórico y social, el director trata del fin del estado de bienestar social y de la interrupción de los sueños de una vida mejor para todos, en una coyuntura donde la lógica homicida del hombre, el capital financiero inviabiliza cualquier alternativa de justicia social.

Lxs esperamos.

10 / 05 / 2019 | Noticias culturales    

Entrada para afiliados de a.d.u.m. $ 100.- con la presentación del recibo de sueldo en la boletería.

Domingo 12, 16.00 y 18.00 hs. Estreno exclusivo: LA CULPA​ (Den Skyldige, Dinamarca, 2018). 

Dirección: Gustav Moller. Guión: Emil Nygaard Albertsen y Gustav Moller. Fotografía: Jasper Spanning. Música: Carl Coleman y  Caspar Hesselager. Edición: Carla Lufe Heintzelman. Elenco: Jacob Lohmann, Jakob Cedergren, Jessica Dinnage, Johan Olsen. Duración: 85 minutos. Calificación: apta mayores de 16 años.

Desde la fría Dinamarca nos llega este claustrofóbico e intenso thriller protagonizado por un solo rostro, el del actor sueco-danés Jakob Cedergren y varias voces que suenan de fondo para dibujar una banda sonora trepidante que toca temas como la culpa, la enfermedad, la consciencia, la mentira o la violencia doméstica.

Asger Holm es un policía relegado a trabajar atendiendo llamadas de emergencias a la espera de ir a juicio por un caso en el que está implicado. En un principio vemos cómo atiende de manera rutinaria llamadas que desenmascara en cuestión de segundos. Pero esa noche también recibe una que le marcará para siempre, la de una mujer (Iben) que, entre sollozos, dice haber sido secuestrada.

Asger se implica de inmediato con la intención de ayudarle y recluido en su mesa de la centralita de emergencias con un auricular telefónico en su cabeza y con la ayuda de otros agentes se vuelca en dar con el vehículo donde se encuentra Iben. El agente moviliza sin descanso a sus compañeros e incluso se pone en contacto con un amigo para desplazarse a la casa del presunto secuestrador. Todo ello a la vez que intenta calmar por teléfono a la hija de la mujer, a la que promete que su madre regresará sana a casa.

The Guilty (cuya traducción en español sería ‘El culpable’) recuerda bastante a la tensión que nos transmitía Ryan Reynolds en Buried, de Rodrigo Cortés, o aquella Locke en la que un extraordinario Tom Hardy se pasaba todo el filme conduciendo y hablando por teléfono. Personajes que llenaban con su sola presencia toda la trama de la historia. Aquí es Cedergren el encargado de llevar él solo todo el peso de un relato de 85 minutos gracias a una actuación sólida en la que sus expresiones faciales y las voces en off que escuchamos de otros personajes dan vida a una trama con giros de guión inesperados y situaciones que encogerán el corazón, a la vez que el protagonista e interlocutora acabarán revelando sus propios pecados. Así pues, el espectador se monta su propia película a golpe de conversaciones telefónicas basándose en una trepidante acción que nunca vemos reflejada en pantalla.

Al debutante director Gustav Möller no le tiembla el pulso a la hora de diseñar una trama inteligente cuyos ingredientes va dosificando hasta conseguir dejarnos con un nudo en el estómago. Ganadora del premio del público en Sundance, The Guilty opta a tres galardones del cine europeo y es la candidata danesa a los Oscar. Astrid Meseguer, La Vanguardia, Barcelona 23 noviembre 2018

15 / 03 / 2019 | Noticias culturales    

Entrada para afiliados de a.d.u.m. $ 100.- con la presentación del recibo de sueldo en la boletería.

Domingo 17, 16.30 y 18.30 hs. Estreno exclusivo: nominada el Oscar 2019 mejor film idioma extranjero

SOMOS UNA FAMILIA (Manbike Kazoku / Shoplifters, Japón 2018). Dirección, guión y edición:  Hirokazu Kore-eda. Fotografía: Ryûto Kondô. Música: Haruomi Hosono.  Elenco: Kirin Kiki, Sôsuke Ikematsu, Lily Franky y Moemi Katayama. Duración: 121 minutos. Calificación: apta mayores 16 años.

    Ganadora de la Palma de Oro en el último Festival de Cannes y flamante nominada al Oscar a mejor film en idioma extranjero, la nueva película del director japonés de After LifeDistanciaNadie sabeDe tal padre, tal hijoNuestra hermana menor y Después de la tormenta es una suerte de compendio y culminación de su brillante trayectoria. Una mirada cuestionadora y al mismo tiempo profundamente humanista sobre la familia, la marginalidad y el amor que va más allá de los lazos de sangre en el contexto poco amable de una sociedad dominada por el prejuicio, el cinismo y la hipocresía.

   En un departamento minúsculo ubicado en las afueras de Tokio conviven hacinadas tres generaciones (desde la abuela hasta el nieto preadolescente) de una familia disfuncional, casi marginal, pero al mismo entrañable y querible. Padre e hijo se especializan en robos hormiga en supermercados. Y, cuando encuentran a una niña atribulada por la violencia de su hogar, la adoptan (¿la secuestran?) sin dar aviso a nadie.
  Ese es el punto de partida del nuevo largometraje del director que se ubica además entre los mejores trabajos de su prolífica filmógrafía (tiene varios puntos de contacto con Nadie sabe cuando describe la dinámica de los chicos sin supervisión adulta).
  Por su temática cualquier podría intuir con razón que se trata de una denuncia horrorizada de niños explotados y forzados al ejercicio del hurto, pero en verdad se trata de una mirada compasiva, en la que no se juzga (no se exalta ni se maltrata) a sus criaturas. Cine inteligente, profundo, humanista, sensible. Con el sello único del creador de After LifeUn día en familia y Después de la tormenta. Reseña 1: Diego Batlle (Otros Cines).

   Con su apuesta por una emotividad discreta y una austeridad formal, Somos una familia, de Hirokazu Kore-eda, se desmarca de toda noción de espectacularidad. Como suele ocurrir en la obra del cineasta japonés, aquí los significados emergen de forma transparente, perfectamente integrados en una escritura fílmica de corte clásico. 
  En esta ocasión, Kore-eda decide contar la historia de una excéntrica familia que sobrelleva sus penurias con una bonhomía contagiosa. Los empleos de los padres (Lily Franky y Sakura Ando) apenas garantizan el sustento económico familiar, que se alcanza gracias a la pensión que recibe la “abuela” (Kirin Kiki), gracias al trabajo de una hija mayor (Mayu Matsuoka) en un club de contactos eróticos y gracias a los pequeños hurtos que realiza el patriarca del clan junto a los dos hijos pequeños. 
  El director no oculta al espectador los aspectos más inquietantes de este retrato familiar: el padecimiento económico, el cuestionable uso de los niños para realizar robos, o el estado de alienación inherente al trabajo sexual de la chica mayor. Sin embargo, lejos de juzgar tajantemente a sus personajes, el realizador de After Life observa a sus criaturas con indudable cariño, abrazando su cotidianeidad casi como si se tratara de un ejemplo heroico de supervivencia tanto material como emocional.
   Este contraste entre la sospecha de posibles faltas morales y la evidente simpatía que despiertan los personajes –seres humanos que sufren y aman– genera un sugerente territorio de ambigüedad en la relación del espectador con el film. Una ambigüedad que irá in crescendo a medida que la trama vaya exponiendo la cara más siniestra de la realidad de los protagonistas. Un audaz ejercicio de dramaturgia que pone de manifiesto la mirada desprejuiciada y humanista de Kore-eda. 
De hecho, Somos una familia puede verse como una suerte de compendio de ciertos intereses expresados por el cineasta japonés en anteriores films. Ahí está, por ejemplo, la preocupación por el bienestar de los niños en una sociedad incapaz de cubrir las necesidades los más necesitados, un tema que vertebraba Nadie sabe. O también el estudio de los vínculos paterno-filiales en la destacable De tal padre, tal hijo, donde dos familias (una rica, otra pobre) descubrían que sus hijos habían sido intercambiados al nacer. ¿Qué da lugar y forma a un lazo de parentesco? ¿Es la consanguineidad la variable determinante? ¿O quizá debe prevalecer el factor afectivo? Complejos interrogantes que la obra de Kore-eda aborda con humildad y valentía, interpelando a la conciencia y a la emotividad del espectador sin caer en el sentimentalismo. Un cine que sabe camuflar la urgencia de su denuncia social bajo el delicado acercamiento a una serie de odiseas cotidianas. Una cuestión de pura humanidad.

Reseña 2:  Manu Yánez (Otros Cines).

Domingo 31, 16.30 y 18.30 hs. nominada el Oscar 2019 mejor film idioma extranjero,  mejor dirección y mejor fotografía y mejor Dirección Festival Cannes 2018 

COLD WAR (Zimna Wojna, Polonia/Francia/Reino Unido, 2018),  Dirección: Pawel Pawlikowski . Guión: Pawel Pawlikowski y Janusz Glowacki. Fotografía:Lukasz Zal, Edición: Jaroslaw Kaminski. Elenco: Joanna Kulig, Tomasz Kot, Borys Szyc, Agata Kulesza, Cédric Kahn, Jeanne Balibar, Adam Woronowicz . Duración: 88 minutos. Calificación: Apta para mayores de 13 años.

En Cold War asistimos al encuentro, conexión, y amor evidente -y hasta justo- entre Zula y Wiktor a fines de los años 40, en la Polonia comunista: ella se presenta a un casting como cantante y bailarina folclórica y él es parte de los seleccionadores. Latroupe que se arma sufrirá las crecientes presiones del comunismo para que, por ejemplo, le canten a Stalin. Wiktor no es tan sumiso. Y Cold War nos muestra a estos amantes en diversas ciudades, incluso en la Europa del otro lado de la cortina de hierro, alejados el uno del otro en parte porque el molesto mundo que los rodea está lejos de colaborar con la construcción de un proyecto tan turbulento como lógico: el amor innegable entre estos dos seres.

Son separaciones, añoranzas, traiciones, acercamientos, reemplazos que no consiguen cortar un lazo ineludible, inevitable. Un melodrama conciso, con elipsis convencidas, filmado en blanco y negro y encuadrado con solvencia y singularidad y sin distracciones irrelevantes (como Ida, la película anterior de Pawlikowski, premiada con un Oscar),Cold War es cine del fuerte, del contundente, del que nos hace salir conmovidos y distintos de la sala. Una historia de amor trágica, asediada por el absurdo del mundo; una historia que tenía que perdurar pero se ve interrumpida por ruidos molestos y convicciones oportunistas.Un hombre y una mujer y un amor cuyas evidentes fortalezas resisten de la manera que pueden, en un relato que conmueve porque está absolutamente convencido de lo que nos expone. Y como si todo esto fuera poco, impone sin duda alguna la fotogenia fatal de la que probablemente sea la actriz más subyugante de la temporada: Joanna Kulig, comparada en algunas críticas con Jennifer Lawrence, más que nada porque hay escasez de referencias más atinadas. Kulig es tan fatal y voluble como Brigitte Bardot en El desprecio, y con el cambiante brillo de sus ojos puede construir o derrumbar todo lo que la rodea. Javier Porta Fouz, La Nación, 1 noviembre 2018

24 / 08 / 2018 | Actividades ::Noticias culturales ::Noticias Gremiales    

El día sábado 25 de agosto a las 16 hs. se proyectará en el canal 8 de la ciudad de Mar del Plata, la “Película de los 30 años de adum”.

La misma refleja, entre otras cosas, la paulatina organización colectiva bajo la forma de reuniones, asambleas y medidas de lucha que buscaban, y aún hoy, buscan garantizar condiciones de trabajo dignas para los trabajadores y las trabajadoras de la Universidad.

En fin, de la construcción de la Agremiación Docente Universitaria Marplatense en estos primeros 30 años se trata este documento visual.

Pedro Sanllorenti

Secretario General

a.d.u.m.