24 / 08 / 2018 | Actividades ::Noticias culturales ::Noticias Gremiales    

El día sábado 25 de agosto a las 16 hs. se proyectará en el canal 8 de la ciudad de Mar del Plata, la “Película de los 30 años de adum”.

La misma refleja, entre otras cosas, la paulatina organización colectiva bajo la forma de reuniones, asambleas y medidas de lucha que buscaban, y aún hoy, buscan garantizar condiciones de trabajo dignas para los trabajadores y las trabajadoras de la Universidad.

En fin, de la construcción de la Agremiación Docente Universitaria Marplatense en estos primeros 30 años se trata este documento visual.

Pedro Sanllorenti

Secretario General

a.d.u.m.

08 / 08 / 2018 | Noticias culturales    

Domingo 5 de agosto, 16.00 y 18.00 hs. preestreno exclusivo: festival  de Mar del Plata 2017,  premio  en competencia: mejor película y mejor actor
INVITACIÓN DE BODA (Wajib, Palestina 2017). Dirección: Annemarie  Jacir. Guión: Annemarie Jacir. Fotografía: Antoine Herbelé. Montaje: Jacques Comets. Elenco: Saleh Bakri, Mohammed Bakri, Maria Zreik, Lama Tatour, Tari Kopti, Monera Shehadeh, Samia Shanan, Ossama Bawardi, Jalil Abu Hanna, Ruba  Blal.  Duración: 96 minutos. Calificación: apta mayores 13 años.  PREMIOS: FESTIVAL DE CINE DE MAR DEL PLATA 2017: MEJOR PELÍCULA Y MEJOR ACTOR / FESTIVAL DE CINE DUBAI 2017: MEJOR PELÍCULA Y MEJOR ACTOR / FESTIVAL DE LONDRES 2017:  PREMIO DEL GRAN JURADO / FESTIVAL DE CINE AMIENS 2017: MJOR PELÍCULA Y PREMIO DEL PÚBLICO /  FESTIVAL DE CINE DE LOCARNO: PREMIO MEJOR DIRECCIÓN Y PREMIO DE JÓVENES.
     La guionista y directora palestina nacida en Belén Annemarie Jacir, nos ofrece en este su tercer trabajo largo de dirección, una comedia sutil y elegante en la que bajo la apariencia de un relato divertido, cuenta las vicisitudes de un hijo que desde la Italia donde vive, regresa a Belén con su familia cristiana, para ayudar en la boda de su hermana que está organizando su Padre a la manera tradicional. Bajo esta leve historia en apariencia, la directora nos ofrece un relato en el que sabe ir sembrando constantes puntos de interés que atrapan al espectador a la vez que nos muestra la vida cotidiana de una familia palestina en un Belén bajo la constante presencia israelí. En 2009 pudimos ver una obra anterior de ella, donde también se encargaba del guion y la dirección, La sal de este mar, en la que ya se podían apreciar las virtudes de su trabajo y que en la obra que nos ocupa alcanza la plena madurez.
   A lo largo de Invitación de boda (Wajib) podemos disfrutar de la excelente interpretación de los actores que nunca sobreactúan y en situaciones en las que vamos conociendo la vida de los palestinos de una manera indirecta, sin caer nunca en el panfleto ni el melodrama, pero a la vez sin dejar de mostrar los graves problemas bajo los que se desarrolla su vida diaria. Solamente en la escena final, podremos ver un intenso momento en el que saldrán a la luz muchos de esos problemas que se han ido mostrando de refilón durante el metraje, a través de la radio, con la que por cierto se inicia  Invitación de boda (Wajib), o de grandes personaje secundarios de una humanidad tal que enriquece el relato dotándole de gran profundidad. Todo ello sin perder en ningún momento la vis cómica bajo las constantes discusiones de padre e hijo a lo largo del film.
   Annemarie Jacir mantiene el ritmo, que en ningún momento se hace pesado ni lento como tantas veces ocurre en este tipo de obras, y sabe sacar de sus protagonistas grandes interpretaciones. Destaquemos en primer lugar al Padre interpretado por Mohammad Bakri, que además de actor es también director, que nos regala una extraordinaria interpretación contenida, llena de matices que hacen al personaje profundamente entrañable dentro incluso de sus contradicciones. La directora nos recuerda al gran Billy Wilder que también viniendo del guión, conseguía que el espectador comprendiera a sus personajes, aunque no compartiera sus decisiones. Junto a él, Saleh Bakri interpreta igualmente de manera contenida al hijo que ha venido de Italia y que siendo de otra generación no comparte la posición del padre aunque la respeta. Le hemos podido ver en otras obras anteriores como La Banda que nos visita (2007) o La Banda de las mujeres(2011).
   En definitiva, Invitación de boda (Wajib) es una comedia divertida, entretenida, que te mantiene todo el rato con la sonrisa en los labios a la vez que sabe mostrar la dura realidad bajo la que viven los palestinos, pero que respeta al espectador dejando que saque sus propias conclusiones sin echarle en ningún momento un discurso panfletario, por más que pudiera tener sobrados motivos para hacerlo. Altamente recomendable.  Chusé  Inazio Felices (El cine en las sombras).

 Domingo 12 de agosto, 16.00 y 18.00 hs. preestreno exclusivo:
AMORES FRÁGILES (Amori  che non sanno stare al mondo, Italia 2017).  Dirección: Francesca Comencini. Guión: Francesca Comencini, Francesca Manieri y Laura Paolucci. Fotografía: Valerio Azzali. Montaje: Ilaria Fraioli. Elenco: Lucia Mascino, Thomas Trabacchi, Valentina Belle, Iaia Forte.  Duración: 92 minutos. Calificación: apta mayores 13 años. NOMINACIONES: SINDICATO NACIONAL ITALIANO DE PERIODISTAS CINEMATOGRÁFICOS 2017: MEJOR ACTRIZ Y MEJOR ACTOR DE REPARTO / FESTIVAL DE CINE DE LOCARNO 2017: MEJOR DIRECCIÓN

“Antes que volver contigo me suicidio” no puede querer decir nada bueno. Pero para Claudia, sí. “¿Ves? Eso es una  declaración de amor”. No obtiene respuesta. Y no la obtiene porque Flavio no quiere que le escriba más por whatsapp ni se comunique con él. Esa obsesión amorosa de Claudia la lleva a extremos que aquí no vamos a contar, pero que cualquier alma desesperada podría -o no- llegar a comprender o, tal vez , imaginar.
Pero el problema de Claudia, según ella es que no sabe dónde está su amado. El problema es que los dos no están tras lo mismo. Y que ella es algo obsesiva compulsiva. Amores frágiles es un drama romántico, con algún toque de comedia, alguno de ellos motivado por la pasión desmedida devenida en aparente locura. “Eres violenta y te haces la víctima, y no seré prisionero de un sueño que no comparto”, le dice Flavio cuando aún era pareja. Fueron siete años, y estaban por contraer matrimonio. Ella llora. “Sos una topadora que no se detiene hasta alcanzar su objetivo”, insiste a las tres de la madrugada el (ex) amado. Hay charlas que hay que tener para conocer a la persona que uno tiene en frente, o al lado. Pero si le dicen “Te miro y sé que quiero estar contigo por siempre”… Francesca Comencini es hija de Luigi, el director de Pan, amor y fantasía (1953). La hija es más explícita en el retrato de la pareja. Aquí, le interesa Claudia, que como Flavio es profesora universitaria y que, desairada, cree encontrar en una estudiante lo que ya su ex no puede brindarle. Lo que busca Claudia es lo que el espectador debe descifrar. Porque Comencini deja abierta, quizá demasiado, la interpretación de lo que pasa por la cabeza y el corazón de su protagonista. Pablo O. Scholz, Clarin, jueves 19 julio 2018

Domingo 19 de agosto, 16.00 y 18.00 hs. preestreno exclusivo:
LUNA: UNA FÁBULA SICILIANA (Sicilian ghost story, Italia 2017). Dirección y guión: Fabio  Grassadonia y Antonio Piazza. Fotografía: Luca Bigazzi. Montaje: Cristiano Travaglioli. Música: Anton Spielman. Elenco: Julia Jedlikowska, Gaetano Fernandez, Coriine Musallari, Lorenzo Curcio. Duración: 122 minutos. Calificación: apta mayores 13 años.  PREMIOS DAVID DE DONATELLO 2018: MEJOR GUIÓN, FOTOGRAFÍA Y MEJOR DIRECCIÓN. FESTIVAL /  SUNDANCE 2017: MEJOR GUIÓN / FESTIVAL DE CINE ZAGREB  2017: MEJOR PELÍCULA.
    Cuando fue secuestrado por la mafia siciliana, Giuseppe Di Matteo tenía apenas 12 años. Corría 1993 y la sociedad italiana recibía esa impactante noticia que veinticuatro años más tarde retomarían, para llevarla al cine, Fabio Grassadonia y Antonio Piazza, los mismos de la celebrada Salvo (2013), otra historia de mafiosos, pero más seca y terrenal que Luna: Una fábula siciliana, exhibida y elogiada en la Semana de la Crítica de la última edición del Festival de Cannes y en el reciente Festival de Mar del Plata. El desenlace real de aquel secuestro tuvo tintes macabros, pero el foco de la película no está puesto estrictamente ahí.  Con pericia y mucha imaginación, los directores apuestan en su relectura por la cruza del thriller con la historia de un romance adolescente de aliento shakespeariano y la fantasía gótica. A medida que el relato avanza, la conexión sobrenatural entre los dos jóvenes protagonistas se hace más patente, una deriva que enriquece el notable trabajo de fotografía y de sonido.     Sugestivo, sombrío, melancólico y recargado de simbolismos, este film atípico plantea más interrogantes que certezas y se interna en los paisajes de la fábula y los cuentos de hadas de los hermanos Grimm. Transforma una realidad tortuosa e inapelable en una poética epopeya contra la violencia, el silencio y la complicidad abordada con la coraza indestructible del amor. Alejandro Lingenti, La Nación, 14 diciembre 2017.–

16 / 04 / 2018 | Noticias culturales    

CINE ARTE AUDITORIUM

40° aniversario 1978-2018

 

 

Entrada para afiliados $ 80.- (presentando el recibo de sueldo en la boletería)

 

Viernes 13, 16,30 y 18.30 hs.

LA MÁS BELLA (De plus belle, Francia 2017).

Dirección y guión: Anna-Gaelle Laval. Fotografía: Philippe Guilbert. Música: Alexis Rault. Montaje: Fréderic Baillehaiche. Elenco: Nicole García, Mathieu Kaassovitz,  Florence Foresti, Olivia Bonamy.Duración: 99 minutos. (AM 13 años).

 

No hay mucho debajo de la superficie de La más bella. Todo está a la vista y es bastante redundante: los conflictos, deseos y miedos de su heroína, Lucie; la estructura que cruza la comedia romántica con el drama de enfermedad; el arco dramático con sus puntos de inflexión calculados al milímetro. La ópera prima como realizadora de Anne-Gaëlle Daval (usualmente abocada al diseño de vestuario) la encuentra comandando un film amable y con pretensiones de masividad, una de esas historias que suelen señalarse como crowd-pleasers, cuyas idas y vueltas están orientadas a complacer a toda clase de audiencias. De plus belle es también un vehículo para su protagonista, la comediante Florence Foresti –poco conocida por estos pagos, pero muy popular en su país–, secundada por dos grandes nombres del cine francés, la actriz Nicole Garcia y el actor Mathieu Kassovitz, en ambos casos interpretando papeles unidimensionales, casi peones de la trama: respectivamente, la dueña de una particular pyme dedicada a la reconstrucción de la autoestima femenina y un locuaz y enérgico donjuán… (extracto) Diego Brodersen / Página 12 / 15 marzo 2018

 

Sábado 14, 16,30 y 18.30 hs.

BEATA IGNORANCIA (Beata ignoranza, Italia/2017).

Dirección: Massimiliano Bruno. Guión: Alessandro Bruno y Gianni Corsi y Hebert Paragnani. Fotografía: Alessandro  Pesci. Montaje: Consuelo Catucci.  Música: Maurizio Filardo. Elenco: Alessandro Gassman, Marco Giallini, Valeria Bilello. Duración: 102 minutos. (AM 13 años).

 

Ernesto (Giallini), profesor de lengua adusto y aplicado –al punto de matar de aburrimiento a sus alumnos con el recitado de poemas–, vive de manera algo ermitaña luego de la muerte de su esposa, lejos de las computadoras y teléfonos celulares (el televisor sólo se prende una vez al año, durante el discurso presidencial de balance). Filippo (Gassman), en cambio, vive pendiente de los likes en su muro de Facebook y utiliza en las clases de matemática una app personalizada que resuelve las ecuaciones de manera automática. Que ambos compartan en el pasado un amor romántico en común es apenas uno de los puntos conflictivos del presente, coronados por la presencia de la hija de ambos (biológica en un caso, de facto en el otro), una joven documentalista dispuesta a llevar a la pantalla la apuesta más inesperada. Y el gancho conceptual del relato: el techie vivirá un tiempo sin tener contacto con el mundo online; el otro deberá obligarse a estar conectado constantemente….. (extracto) Diego Brodersen / Página 12 / 21  setiembre 2017

 

Domingo 15, 16. 30 y 18.30 hs.

EN PEDAZOS (Aus dem nichts, Alemania-Turquía/2017).

Dirección: Fatih Akin. Guión: Fatih Akin y Hark Bohm. Fotografía: Rainer Klausmann.  Música: Josh Rainer Klausmann.  Música: Josh Homme. Montaje: Andrew Bird. Elenco: Diane Kruger, Denis Moschitto, 

Rumar Acar, Ulrich Tukur. Duración: 106 minutos. (AM 13 años). PREMIOS: GOLDEN GLOBE (USA 2018): MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA; CANNES 2017: MEJOR ACTRIZ (DIANE KRUGER); ASOC. CRÍTICOS DE NEW YORK: MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA.

 

EN PEDAZOS

 

    El director alemán de origen turco Fatih Akin encuentra en la Alemania contemporánea un territorio fértil para abordar la xenofobia y la violencia que atraviesan a Europa desde una mirada no exenta de subrayados y maniqueísmo. La explosión de una bomba en un barrio de inmigrantes de Hamburgo no solo destruye la vida de Katja (Diane Kruger), tras la muerte brutal de su marido y su hijo, sino que la sumerge en una oscuridad emocional cuya puesta en escena tiene más de calculado efectismo que de rigor y sutileza.

    Diane Kruger expresa los ecos de un interior fracturado en una historia que deriva hacia el cinismo de los villanos, el retrato pasivo de las comunidades afectadas e incurre en la irresponsable estética -eso sí, sin el disfrute culposo- del melodrama de venganza…. (extracto)  Paula Vázquez Prieto / La Nación /  15 marzo 2018

 

 

 

Domingo 22, 16. 30 y 18.30 hs. Estreno exclusivo:

LA COMUNIDAD DE LOS CORAZONES ROTOS (Asphalte, Francia/2016)

Dirección: Samuel Benchetrit. Guión: Benchetrit y Gabor Rassov. Elenco:Isabelle Huppert, Gustave Kervern, Valeria Bruni Tedeschi, John McKenzie. Música: Raphaël. Fotografía: Pierre Aïm. Edición: Thomas Fernandez. Duración: 100 minutos. (AM 13 años). PREMIOS: CESAR (FRANCIA): MEJOR GUIÓN.

 

Determinados encuentros improbables traen ternura, risas y compasión a un mundo de alienación urbana.
Un edificio en los suburbios de una ciudad francesa anónima. Un ascensor averiado. Tres encuentros improbables. Seis personajes insólitos. Un grandullón intratable y la frágil enfermera del turno de noche. Jeanne, una actriz en crisis y su joven vecino abandonado. Un astronauta americano perdido y la entrañable Sra. Hamida. Todos ellos seres solitarios unidos por un gran sentimiento de ternura, respeto y compasión.
John Mckenzie (Michael Pitt), un astronauta americano al final de su viaje se precipita sobre un edificio gris de las afueras de Paris. Recogido en la terraza por Hamida, una señora marroquí que lo acoge como a un hijo, Mackenzie espera que la Nasa lo encuentre y lo devuelva a casa. Un piso más abajo, la llegada de una nueva vecina, Jeanne (Isabelle Huppert), una vieja gloria del cine de los 80 hará despertar la curiosidad de Charlie, un adolescente solitario que vive con su madre casi siempre ausente. Invalido y aislado en la primera planta, el aspirante a fotógrafo Sternkowitz sueña con encontrar el amor. El encuentro con una frágil enfermera de noche (Valeria Bruni) obrará el milagro que lo hará bajar de su silla de ruedas. Todas Las críticas /  23 noviembre 2017

01 / 03 / 2018 | Noticias culturales    

Entrada para afiliados $ 80.- (presentando el recibo de sueldo en la boletería)

Domingo 4, 16.30  y  19.15 hs.

THE SQUARE (Suecia-Dinamarca-Alemania- Francia, 2017) / Guion y dirección:Ruben Östlund, Fotografía: Fredrik Wenzel. Edición: Jacob Secher Schulsinger y Ruben Östlund. Elenco: Claes Bang, Elisabeth Moss, Dominic West, Terry Notary y Christopher Læssø. Duración: 142 minutos Calificación: Apta para mayores de 16 años. NOMINADA PARA EL OSCAR 2018 Y EL GLOBO DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA. FESTIVAL DE CANNES 2018: PALMA DE ORO A LA MEJOR DIRECCIÓN

 

   La decisión de otorgarle la Palma de Oro a The Square en la última edición del Festival de Cannes provocó una enorme polémica. Cineasta adicto a la provocación -muchos ya se habían indignado con Play (2011), la historia de un grupo de niños negros pobres que robaban a otros de su misma edad, pero blancos y de clase media-, el sueco Ruben Östlund había logrado un punto de equilibrio con Force Majeure: la traición del instinto, un film sobre el matrimonio como cataclismo.

   Esta vez, el blanco de sus dardos envenenados es el mundo del arte contemporáneo, sintetizado en la figura del particular director de un museo sueco que no tiene presupuesto para estar a la altura de sus competidores internacionales. Torpe para entablar relaciones, egomaníaco, más de una vez indolente y ciertamente paranoico, Cristian (el personaje interpretado con mucha eficacia por el danés Claes Bang) se ve envuelto en una serie de episodios problemáticos que Östlund narra con humor y un evidente cinismo: desde el montaje de una obra de aspiración altruista de una artista argentina que empieza con la desprejuiciada destrucción de la estatua de un monarca hasta la virulenta aparición en escena de un apremiante hombre-mono que produce una verdadera debacle en una cena de burgueses aterrados, pasando por una insólita trama persecutoria contra un niño, desatada para recuperar un teléfono celular que le roban al protagonista en un confuso incidente callejero.

   No hay tópico al que el director se acerque sin mordacidad: la sexualidad (es tan tensa como hilarante la escena que protagoniza con el personaje de Elizabeth Moss en torno al destino de un preservativo usado), las relaciones familiares, la hipocresía de las clases acomodadas… En una entrevista reciente, Östlund explicó que uno de los modelos para su película fue Cuento de Navidad, una novela de Charles Dickens también cargada de críticos simbolismos relacionados con la sociedad de su época. Publicado en 1843, el relato de Dickens cuenta la historia de un hombre avaro y egoísta que que transforma tras ser visitado por una serie de fantasmas en Nochebuena. La novela consiguió un inmediato éxito y el aplauso de la crítica. En la línea de colegas como Michael Haneke y Lars von Trier, pero con aún menos sutilezas, el realizador sueco enfoca la mala conciencia de sus personajes para erigirse en un nuevo misántropo del cine. Alejandro Lingenti (extractos), La Nación, 16 de noviembre 2017.

 

 

Domingo 11, 16.30 y 19.15 hs.

12O PULSACIONES POR MINUTO (120 battements par minute, Francia/2017), Dirección: Robin Campillo. Guión: Robin Campillo y Philippe Mangeot. Fotografía: Jeanne Lapoirie. Edición: Robin Campillo, Stephanie Leger y Anita Roth. Música: Arnaud Rebotin. Elenco: Nahuel Pérez Biscayart, Adèle Haenel, Yves Heck, Arnaud Valois. Duración: 143 minutos. Calificación: apta para mayores de 16 años.  FESTIVAL DE CANNES 1017: PREMIOS: FIPRESCI A ROBIN CAMPILLO, GRAN PREMIO DEL JURADO A LA MEJOR DIRECCIÓN, PALMA QUEER A LA MEJOR DIRECCIÓN.

   Las cosas no eran fáciles para los infectados con VIH en los años 90. Se sabía mucho menos que hoy de la patología y los prejuicios eran moneda corriente también en países del Primer Mundo como Francia, donde está ambientada esta gran película de Robin Campillo que pone el foco en la intensa actividad de Act Up, colectivo militante del que el director formó parte. Dedicado a llamar la atención sobre la negligencia del gobierno de François Miterrand y la impiadosa industria farmacéutica ante la epidemia, Act Up hizo mucho por los derechos de los afectados en ese país. Y 120 pulsaciones por minuto narra esa cruzada con contundencia y un notable aliento poético. Es un film de una enorme emotividad, pero desprovisto de golpes bajos, que se atreve a introducir una gran historia de amor en medio del fragor de la lucha política. Uno de los protagonistas de esa trama sentimental es el personaje interpretado por el argentino Nahuel Pérez Biscayart, cuya actuación es realmente descomunal. Campillo sabe cómo cruzar lo público con lo privado sin que aparezcan fricciones: la fluidez entre los momentos dramáticos y festivos de la historia, apoyados por una preciosa banda sonora, es ejemplar. Su estilo cinematográfico, en algunos tramos de corte casi documental, recuerda al de Laurent Cantet. No es casual: Campillo fue guionista y editor de Entre los muros, excepcional film de ese director francés. Alejandro Lingenti, La Nación, 17 de enero, 2018.

Domingo 18, 16.30 y 18.30 hs.

EL DÍA DESPUÉS (Geu-hu, Corea del Sur, 2017). Dirección, guión,música: Hong Sang-soo. Montaje:  Sung-Won  Hahm. Fotografía: Kim Hyung-u Elenco: Kwon Hae-hyo, Kim Min-hee, Kim Sae-byuk, Cho Yun-hee. Duración: 92 minutos. Calificación:apta para mayores de 13 años. NOMINACIONES EN LOS FESTIVALES DE SAN SEBASTIÁN, MUNICH, ROTTERDAM, CANNES, 2017.

   

   El  año pasado, Hong Sang-soo dirigió tres largometrajes. Dos de ellos: La caméra de Claire y El día después, que se estrena ahora en la Argentina- fueron exhibidos en la última edición del Festival de Cannes, una plaza acostumbrada para este coreano que suele filmar con presupuestos módicos y multiplicarse en diferentes tareas: guión, dirección, producción, música.

   Se suele decir que las películas de este autor tan prolífico (unos veinte largos en otros tantos años de carrera) se parecen entre sí, y es indudablemente cierto. Por lo general hay en el centro de la escena un hombre que detenta alguna clase de poder (un crítico y editor prestigioso, en este caso) que se encuentra frente a una encrucijada amorosa.Esta vez, el protagonista es Song Haejoo, un seductor empedernido y no muy dispuesto a hacerse cargo de las consecuencias de sus aventuras. Está casado, pero tiene una amante que trabaja con él en una oficina atestada de libros y papeles. Su mujer, una dama elegante y temperamental, lo intuye. La amante decide entonces dejar el trabajo y es reemplazada por una jovencita cándida y atractiva que también despierta el deseo de su flamante jefe. A partir de ahí ocurre lo habitual en las películas de este director: una serie de conversaciones en almuerzos y cenas regados de alcohol que cruzan insinuaciones amorosas, angustias existenciales y confesiones incómodas.Lo que dinamiza la narración en esta oportunidad son los juegos con la temporalidad, que permiten observar las constantes en el indolente comportamiento de un protagonista egocéntrico, casi siempre deprimido y señalado como posible alter ego del director, enredado últimamente en un melodrama intenso y muy publicitado por la prensa de su país con una de sus actrices fetiche, Kim Min-hee, veinte años menor que él y de muy buen trabajo en este film. Eficaz y atildado, el cine del realizador coreano tiene referentes decenas de veces señalados, de estirpe puramente francesa -Eric Rohmer, Philippe Garrel-, pero también una identidad propia, elaborada minuciosamente durante dos décadas en las que pulió un estilo que ya se vuelve inconfundible. Alejandro Liingenti. (extractos). La nación 28 diciembre, 2017.

01 / 09 / 2017 | Noticias culturales    

Entrada para afiliados $ 60.- (presentando el recibo de sueldo en la boletería)

19 / 08 / 2016 | Noticias culturales    

El día sábado 27 de agosto de 15 a 18 hs. en el salón de Roca 3865 festejaremos el dia del niño.
Habrá juegos, cama elástica, metegol, inflable, maquillaje artístico, sorteos y muchas sorpresas más!!

Retirá tu entrada gratuita desde el lunes 22 de agosto (hasta el 25/08 a las 13 hs.) en la sede de adum de la Facultad de Cs. Económicas y Sociales (Funes 3250-1er Nivel).

La actividad también será a beneficio de comedores infantiles, por lo tanto, te invitamos a colaborar con un alimento no perecedero que podrás acercar el día del evento.

Te esperamos!!

03 / 05 / 2016 | Noticias culturales    
A continuación la programación del Cine arte del mes de mayo que se desarrolla en el Auditorium
Afiliados a adum $ 50.- (presentando la última libranza en al boletería)
PROGRAMACIÓN MAYO 2016

trailers: Mandarinas, La acusación y El abrazo de la serpiente, respectivamente

Domingo 8, 16.00 / 18.30 hs.
16.00 y 18.00 hs. Pre-estreno exclusivo:
MANDARINAS (Tangerines, Estonia-Georgia, 2014). Dirección y guión: Zaza Urushadze. Fotografía:  Rein Kotov. Música: Niaz Diasamidze. 
Edición: Alexander Kuranov. Elenco: Lembit Ulfsak, Elmo Nuganen, Giorgi Nakashidze, Misha Niko, Raivo Trass. 87 minutos. (AM 13 a.). 

   Mandarinas, primera película báltica en llegar a la recta final de los premios Oscar de Hollywood. Nominada a mejor película de habla no inglesa tanto en los Globos de Oro, como en los Oscar. Mandarinas ha cosechado premios a lo largo de su recorrido por festivales internacionales como el de mejor película en el Festival de cine de Jerusalén, mejor película en el Festival de  cine de Varsovia y el Satellite Award de la International Press Academy como mejor película de habla no inglesa.

    En 1990, estalla la guerra en una provincia georgiana que busca la independencia. Ivo, un estonio, decide quedarse, a diferencia del resto de sus compatriotas, para ayudar a su amigo Margus con la cosecha de mandarinas. Al comenzar el conflicto, dos soldados resultan heridos delante de su casa, e Ivo se ve obligado a cuidar de ellos. 
Mandarinas es una película de guerra. Claramente antibelicista. Un ejemplo magistral de cómo plasmar en la gran pantalla la virulencia de una guerra con poquísimos pero muy potentes referentes de la contienda. Un film que lleva la lucha armada al terreno de la metáfora, al relato íntimo, a espacios más simbólicos y a contextos más amplios y atemporales. Sus diálogos son sabios y serenos. Su drama aflora poco a poco, sin caer en estrategias lacrimógenas. Habla por encima de todo de la condición humana. Y además, nunca olvida su realidad histórica, de forma que, aun pudiendo sentir en cada instante la tensión de una guerra vecina, las irrupciones de ésta (por ejemplo, en la escena de la improvisada barbacoa, truncada por el bombardeo de la casa de Margus) sacuden al espectador con la virulencia de un misil que estalla a pocos centímetros de nuestro rostro, como un recordatorio de la crudeza de los acontecimientos que tienen lugar más allá de los mandarineros que cobijan a los personajes.
Una película rica en matices que en su tramo final condensa una preciosa historia de autoexploración y reconciliación. Mandarinas no omite la guerra: la plasma en otros niveles. Y el registro por el que aboga el film está en el compromiso, pero también en un halo de melancolía lírica que eleva la película a la categoría de grandiosa tragedia clásica. O, siguiendo la poderosa imagen de la mandarina, podríamos decir que el film es un fruto en apariencia dulce, con regusto ácido en su interior y con piel áspera a la par que delicada. 
Domingo 22, 16.00 / 18.30 hs.
16.00 y 18.00 hs. Pre-estreno exclusivo:
LA ACUSACIÓN (Court, India 2014). Dirección y guión: Chaitanya Tamhane. Fotografía: Mrinal Desai. Música: Sambhaji Bhagat.  
Edición: Rikhav Desai. Elenco: Usha Bane, Vivek Gomber, Pradeep Joshi, Geetanjali Kulkarni, Shirish Pawar. 116 minutos. (Apta todo público). La acusación, película consagrada como mejor ópera prima de la Mostra de Venecia 2014 y de haber ganado la Competencia Internacional del Bafici 2015

Rodada por Chaitanya Tamhane cuando tenía apenas 27 años, La acusación narra la historia de Narayan Kamble (Vira Sathidar), un cantante de folk, maestro de escuela y activista social de 65 años acusado de ser el responsable del suicidio de un trabajador que limpiaba alcantarillas, supuestamente motivado tras escuchar la letra de una de sus corrosivas canciones.

   Narayan -una figura incómoda para el gobierno- es llevado a juicio en un proceso que se alarga durante meses y en el que es sometido a todo tipo de situaciones absurdas en medio de un sistema legal dominado por el caos, la incompetencia y la indiferencia (a veces directamente por el maltrato y la deshumanización).

Lo que hace de La acusación un notable primer largometraje es no sólo la sobria y austera puesta en escena de Tamhane y la impecable actuación de Sathidar, sino también la credibilidad que transmite incluso en los pasajes más ridículos (el efecto gracioso de ciertos momentos tragicómicos rápidamente se disipa para dar lugar a una sensación de angustia y enojo por las penurias que sufre el protagonista).

   La película apuesta con paciencia por la acumulación para que el espectador sienta el mismo peso que el burocrático aparato judicial carga sobre nuestro atribulado antihéroe. Abogados, fiscales, jueces y agentes policiales se volverán meros engranajes de una antiquísima maquinaria, cuyo objetivo parece ser el de desalentar siempre al acusado hasta convencerlo de que no vale la pena seguir peleando.

Con escenas de juicio dignas de un documental y descripciones de la intimidad de los principales personajes que exponen desde las diferencias de clase hasta la represión a los intelectuales, La acusación surge como una evidencia contundente de que el nuevo cine de la India es mucho más que una moda en expansión. Un acontecimiento cinéfilo para no dejar pasar. DIEGO BATTLE, extracto de La Nación.


Domingo 29, 16.00 / 18.30 hs.

EL ABRAZO DE LA SERPIENTE (Colombia-Argentina-Venezuela/2015) . Dirección: Ciro Guerra. Guión: Jacques Toulemonde y Ciro Guerra.  Fotografía: David Gallego.  Música: Nascuy Linares.  Edición: Etienne Boussac. Diseño de producción: Angélica Perea. / Elenco: Brionne Davis, Nilbio Torres, Antonio Bolívar, Jan Bijvoet, Nicolás Cancino, Yauenkü Migue y Luigi Sciamanna. 125 minutos. (AM 13 a.) 

Abrazar la magia ancestral

 Nominado al Oscar 2016 a mejor película extranjera y premiado en festivales como los de Cannes y Mar del Plata, este tercer largometraje del colombiano Ciro Guerra -tras La sombra del caminante y Los viajes del viento– ha sido uno de los exponentes del nuevo cine latinoamericano con mayor repercusión internacional. Un logro que no siempre tiene que ver con la calidad (las modas y el marketing suelen jugar un papel importante), pero que esta vez sí está en sintonia con sus méritos artísticos.

   Guerra rodó con bellísimas imágenes en blanco y negro (en una pantalla ancha que pide a gritos su visión en salas de cine) esta épica de espíritu herzogiano (hay algo de Fitzcarraldo y, sobre todo, de Aguirre, la ira de Dios) sobre la relación durante más de 30 años entre dos científicos (uno alemán y el otro estadounidense) y Karamakate, un chamán -último sobreviviente de su tribu- que emprende con un etnobotánico llamado Evan un viaje al corazón de la selva en busca de la yakruna, una milagrosa planta curativa de las profundidades del Amazonas de la que solamente el curandero conoce sus secretos.

   Hablada en dialecto original de la zona, El abrazo de la serpiente resulta una hermosa, evocativa y en muchos pasajes fascinante exploración sobre el choque de culturas, tradiciones y religiones, así como la fuerza de la naturaleza salvaje.

Entre el cine espiritual, el etnográfico y el de aventuras, se trata de un film con muchos más hallazgos que lugares comunes y que significa un salto de calidad del cine latinoamericano a la hora de abordar sin pintoresquismos for export sus mitos y tradiciones ancestrales. Diego Battle, La Nación

 

31 / 03 / 2016 | Noticias culturales    
PROGRAMACIÓN ABRIL 2016
Afiliados a adum $ 50.- (presentando la última libranza en al boletería)

Domingo 3 , 17.00 y 19.00 hs. Pre-estreno exclusivo: 
MIS HIJOS
(Dancing arabs, Israel/Alemania/Francia, 2014) / Dirección: Eran Riklis . Guión: Sayed Kashua, basado en su novela. Fotografía: Michael Wiesweg.  Edición: Richard Marizy.  Música: Jonathan Riklis Elenco: Tafweek Barhom, Razi Gabareen, Yaël Abecassis, Michael Moshonov, Ali Suliman, Daniel Kitsis, Marlene Bajali. Duración: 104 minutos. (AM 13 a.).
   
   El director Eran Riklis regresa tras la notable Los limoneros con una historia enmarcada en Israel durante los conflictos de la Guerra del Líbano y la Guerra del Golfo, Mis hijos
   Después de décadas de conflicto, con perspectivas de no terminar nunca, el cine israelí sigue atreviéndose a retratar su realidad sin miedo a resultar crítico con su país, evidenciando que muchos de sus ciudadanos consideran las beligerancias añejas, cansados de no encontrar una solución para Palestina e Israel. Y en el caso de Mis hijos la crítica pasa por la utilización de un humor negro que provoca la risa cómplice del espectador y la mirada amarga a causa las humillaciones sufridas por los árabes tras las murallas de la Ciudad Santa, moviéndose constantemente entre dos mundos.
    Es que los dos mundos se convierten en el eje central del relato, la dicotomía a la que se somete el personaje central -interpretado notablemente por Tawfeek Barhom- siendo un árabe en un entorno israelí, con una pareja judía que provocaría la ira de las dos familias y la de su entorno, en la tradición más shakesperiana, o cuidando de su amigo Yonatan, con una enfermedad degenerativa y que se convertirá su salvamento en muchos aspectos. Con estos ingredientes la película es capaz de abordar multitud de temas como la historia, haciendo un repaso por los grandes conflictos bélicos de las últimas décadas, la identidad cultural y la interculturalidad, apostando por los jóvenes como solución para convertir las hostilidades religiosas en camaradería.
   Eran Riklis firma por tanto su mejor película hasta la fecha, con un gran guion entre manos y haciendo gala de una dirección de actores modélica, resaltando tanto a Barhom como a sus compañeros Michael Moshonov y Yael Abecassis; absolutamente brillantes como los jóvenes protagonistas. La producción es correcta, sin alardes técnicos, pues tampoco los precisa al ser lo más importante la relación entre personajes.
Domingo 10, 17.00 y 19.00 hs. Pre-estreno exclusivo: 
UNA SEGUNDA MADRE
 (Que horas ela volta?, Brasil/2015).Dirección y guión: Anna Muylaert. Fotografía: Barbara Alvarez. Edición: Karen Harley.  Música: Fabio Trummer y Vitor Araujo. Diseño de producción: Marcos Pedroso. Elenco: Regina Case, Camila Mardila, Michel Joelsas, Karine Teles, Lourenco Mutarelli, Helena Albergaria.  114 minutos. (AM 13 a.).

   Alguien etiquetaría Una segunda madre como exponente del cine social. Un género tan digno como otros, pero amenazado por el riesgo del esquematismo, las consignas, el panfleto, el tono dogmático, la claridad machacona sobre la identidad de los buenos y de los villanos, la ausencia de matices, el protagonismo exclusivo del mensaje, las buenas intenciones. El cine social que pretende hablar de la casi siempre ingrata realidad (y el cine en general, a secas) precisa de talento narrativo o documental, complejidad, sutileza, fuerza emocional, veracidad, esas cositas que alimentan el arte.
   Una segunda madre habla con inteligencia y sensibilidad de algo que no ha perdido vigencia desde el comienzo de la humanidad llamado lucha de clases, por mucho que los que controlan el tinglado aseguren que es algo que pertenece al pasado, superado mediante el progreso, la civilización un mundo más justo y falacias similares.
   La protagoniza una modélica criada (me sonaría a eufemismo calificarla de asistenta o empleada de hogar) que lleva montones de años sirviendo ejemplarmente a una familia adinerada, educada, con amor al arte, nada feudal, convenientemente moderna .  parecen adorarla, la consideran como un miembro más de la familia. Ha visto crecer al hijo del matrimonio, el amor entre ellos es mutuo, ejerce de abuela, de confidente, de amiga. También de criada.
En este ambiente presuntamente idílico, con la señora de la casa ejerciendo de sacerdotisa de las tendencias y su marido, un millonario ocioso y amable que distrae su anodina existencia pintando, va a aparecer una tormenta de efectos devastadores. 

Domingo 17, 17.00 y 19.00 hs. Pre-estreno exclusivo: 
MI AMOR
(Mon roi, Francia 2015). Dirección: Maiwenn. Guión: Maiwenn y Etienne Comar. Intérpretes: Vincent Cassel, Emmanuelle Bercot,Louis Garrel, Isild Le Besco. Fotografía: Claire Mathon. Música: Stephen Warbeck. Edición: Simon Jacque. 124 minutos. (AM 13 a.).

   Con su intenso furor realista impregnado de momentos torrenciales y su tendencia a la exploración de las heridas más violentas de la vida cotidiana, el cine de Maïwenn no deja indiferente a nadie. Con Mi amor, presentado en competición en el 68° Festival de Cannes (donde la realizadora había conseguido el premio especial del jurado en 2011 con Polisse , la francesa ha dado un paso más al densificar su enfoque (siempre tan eléctrico) mediante una disección candente de los vínculos más íntimos de dos personajes durante diez años de vida “en común”. Un viaje sin concesiones y cargado de bandazos por los rincones más oscuros del deseo, centrado en los amores tóxicos de un manipulador perverso extremadamente seductor y de una mujer en busca de un ideal pero que relaciona inconscientemente los sentimientos con el sufrimiento. Pero aquí el bondage y los golpes no son necesarios para expresar el dolor más intenso, puesto que el dominio se ejerce mediante un juego envenenado exaltado por la cámara, muy libre y sin embargo controlada, de la cineasta.
   Maïwenn dibuja este desgraciado destino de mujer sin renunciar a sus valores y a su búsqueda absolutista de la sinceridad, que se manifiesta mediante largas secuencias donde lo mejor roza a veces el exceso (en especial las escenas colectivas). Con un guión muy riguroso de la realizadora y de Etienne Comar que comprime y dilata el tiempo con habilidad, Mi amor ofrece por fin a Vincent Cassel un papel sutil a la altura de su talento, mientras que Emmanuelle Bercot sacrifica todo su cuerpo y su alma para encarnar a un personaje muy complejo. El dúo permite a la película expresar plenamente su oscura potencia psíquica, a pesar de sus inevitables desproporciones derivadas del enfoque dinámico de la cineasta francesa, más cómoda con el torbellino negro que con la magia blanca reparadora.
Domingo 24, 17.00 y 19.00 hs. Pre-estreno exclusivo: 

A LA SOMBRA DE LAS MUJERES
(L’ombre des femmes, Francia, 2014). Dirección: Philippe Garrel. Guión, argumento y diálogos:  Jean-Carriere, Philippe Garrel, Caroline Deuras. Intérpretes: Clotilde de Coreau, Stanislas Merhar, Lena Paugam. Fotografía: Renato Berta. Música: Jean-Louis Aubert. Edición: Francois Gédigier. 73 minutos. (AM13 a.)
  
    Freud y Marx han sentado las bases de cierta falocracia intelectual que ha dominado el pensamiento crítico durante las últimas décadas, sumidas en relecturas y constantes reevaluaciones que, de acuerdo a algunos autores y autoras feministas han perpetuado una visión heterodoxa y misógina sobre el espectro de la sexualidad femenina. El gran cineasta francés Philippe Garrel, quien afirmara en una ocasión que el cine no es más que el resultante de sumar a Lumiere con Freud, ha anclado una porción significativa de su rica filmografía en ambos autores, pero difícilmente se puede acusar a Garrel de ser parcial y mucho menos misógino, particularmente con filmes como Les hautes solitudes (1974), dedicado al triste y delicado rostro de Jean Seberg, pero su más reciente filme parece empoderar la independencia femenina y desenmascarar la hipocresía masculina, dominante en el mundo.

   En A la sombra de las mujeres, Philippe Garrel presenta la historia de Pierre, un documentalista que está casado con Manon, ambos pobres y dedicándose a levantar documentales simplemente por amor al arte y viviendo de pequeños e insignificantes trabajos. Cuando Pierre conoce a Elisabeth, una joven pasante, se hacen amantes de inmediato, pero cuando Elisabeth comienza un tórrido romance por su parte, Pierre, celoso, no quiere perder a sus dos mujeres. A pesar de que su planteamiento parece excesivamente simple, la fuerza del filme de Garrel, narrado por su estúpido y sensual vástago Louis, radica en algo que el crítico canadiense Neil Bahadur señaló puntualmente: Garrel nos hace cuestionar las imágenes. La sombra de ambas mujeres mueve el relato a través de la proyección que ellas hacen de la postura machista de Pierre, el encuadre de Garrel pone a las mujeres en plano focal, pero las conversaciones giran en torno a un deseo u opinión masculina, nótese la escena de la entrevista en los primeros minutos del filme, en los que la esposa del intelectual que Manon y Pierre entrevistan, es central pero secundaria al mismo tiempo. En escasos 73 minutos, Garrel logra convencernos de que la sombra femenina no es más que una ilusión creada por los hombres que cubren la luz.
links de trailers


una segunda madre https://youtu.be/3NhuQKfDgjc

a la sombra de las mujeres https://youtu.be/F5VpCLfCKjw


10 / 07 / 2012 | Noticias culturales    
Los invitamos a compartir el Ciclo de Música por la Música que se realizará, como todos los años, en el Aula Magna de la Facultad de Derecho, 25 de Mayo 2865 a las 21:30 hs.
Los afiliados a ADUM podrán retirar el cupón de descuento en la sede de la Facultad de Cs Económicas de lunes a viernes de 10 a 13 y de 13:30 a 19 hs.
Presentando el mismo en la boletería de teatro, podrán comprar la entrada a $ 35.-
Programación Julio 2012
Viernes 13 – Del Hoyo Trío – Julia Jazz Cuarteto
Sábado 14 – Marcelo Sanjurjo – Fabio Herrera Cuarteto
Viernes 20 – Ainda Fado
Sábado 21 – Quatro Torres
Viernes 27 – MERO
Sábado 28 – Función a beneficio, sin cargo. ZOOT y proyección ” Ojos que ven Corazones que sienten”
Muchas gracias, los esperamos!!

Música por la Música
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